Non è semplice raccontare la parabola di Amleto Bertrand, artista che ha attraversato il Novecento come un viaggiatore instancabile, capace di mutare pelle senza mai smarrire il nucleo autentico della propria ricerca. Parlare di lui significa inseguire un percorso che non si lascia rinchiudere in una cornice cronologica o in una definizione critica. Ogni fase della sua produzione, dai primi anni in Sicilia fino alle stagioni parigine e milanesi, appare come un frammento di un mosaico più grande, destinato a rinnovarsi in continuazione. La sua vita e la sua arte si intrecciano con i mutamenti della società, con le inquietudini politiche e culturali, con le domande esistenziali che hanno segnato il XX secolo. Non un artista di maniera, non un epigono: Bertrand fu, piuttosto, un costruttore di linguaggi, un artigiano visionario che seppe dialogare con la tradizione e al tempo stesso smantellarla, portando le sue tele e i suoi oggetti a farsi veicoli di esperienze radicali.
Chi lo ha conosciuto racconta di un uomo dalla presenza discreta, ma con uno sguardo ardente, capace di cogliere dettagli impercettibili e trasformarli in segni pittorici. Nonostante l’ampiezza delle sue sperimentazioni, ciò che rimane costante è il senso di una ricerca interiore: ogni colore, ogni materia, ogni superficie sembra parlare di un’incessante interrogazione sul destino dell’uomo, sulla fragilità dell’esistenza e sul potere rigenerante dell’immaginazione.
Le radici mediterranee
Nato a Messina nel 1927, Bertrand trascorse l’infanzia a Siracusa, in un ambiente che gli offrì non solo il contatto con i resti archeologici e la grande tradizione classica, ma anche con il paesaggio marino e luminoso che caratterizza la Sicilia orientale. Questi elementi rimasero impressi nella sua sensibilità: non tanto come motivi iconografici ricorrenti, ma come energia sottesa alla sua pittura. Nei suoi primi anni, il giovane Amleto si esercitò copiando i grandi maestri e imparando a padroneggiare le tecniche del disegno e del colore. Fu un apprendistato solitario, spesso condotto in silenzio, ma che gli permise di costruirsi una base solida, da cui partire per i futuri esperimenti.
Le prime opere, realiste e attente alla resa della luce, rivelano già un’inclinazione a interrogare la materia pittorica più che a descrivere fedelmente un soggetto. In esse la Sicilia appare come memoria e orizzonte affettivo, luogo dell’origine e della formazione.
Milano: il laboratorio delle avanguardie
Il trasferimento a Milano, nel 1953, segnò il primo grande spartiacque della sua carriera. La città, nel pieno del suo slancio industriale e culturale, rappresentava per Bertrand un laboratorio aperto. Frequentando il quartiere di Brera, si trovò immerso in un contesto cosmopolita, in cui gli artisti dialogavano con filosofi, scrittori e critici. Qui espose le sue prime tele in mostre collettive e successivamente personali, ricevendo i primi riconoscimenti della critica.
In questi anni la sua pittura rimase legata a una dimensione figurativa, ma già trapelava l’esigenza di superare il realismo impressionista. Le sue pennellate, sempre più libere, testimoniavano una tensione verso la materia e verso il gesto, anticipando il passaggio a fasi più sperimentali.
La stagione parigina e la svolta informale
Gli anni Sessanta lo condussero a Parigi, dove respirò a pieno la vitalità delle avanguardie. Fu qui che la sua arte conobbe la svolta decisiva. Venendo a contatto con le opere di Dubuffet, Burri e con l’espressionismo astratto, Bertrand abbandonò la figura e intraprese un percorso informale. Sulla tela cominciarono ad apparire macchie, graffi, sovrapposizioni materiche: segni che non descrivevano, ma evocavano.
Le sue opere parigine riflettono un desiderio di andare oltre l’apparenza visibile: la superficie diventa un campo di tensioni, un territorio in cui si scontrano forze interiori. Non si trattava solo di un’adesione a un movimento, ma di una personale indagine sull’inconscio e sulla condizione contemporanea, tradotta in un linguaggio pittorico energico, quasi fisico.
Il tempo dell’iperrealismo e del dipinto-oggetto
Negli anni Settanta, tornato a Milano, Bertrand si avvicinò all’iperrealismo, ma lo reinterpretò in maniera singolare. Non gli interessava la mera precisione fotografica: ciò che cercava era il confine tra realtà e illusione, tra rappresentazione e presenza. Le sue tele si trasformarono in dipinti-oggetti, dove elementi tridimensionali invadevano lo spazio, unendo pittura e scultura. Automobili, strumenti musicali, architetture: non erano soltanto riprodotti, ma resi tangibili, come se l’arte volesse forzare la barriera del quadro per insinuarsi nella vita quotidiana.
Questa fase, a metà strada tra l’iperrealismo e l’installazione, fu accolta con grande interesse dalla critica, che riconobbe in lui la capacità di reinventarsi senza perdere coerenza. Bertrand dimostrava di essere sempre un passo avanti, mosso da una curiosità inesauribile.
La consacrazione e i riconoscimenti
Tra gli anni Settanta e Ottanta, il nome di Amleto Bertrand si affermò a livello internazionale. Espose al Museo d’Arte Moderna di Milano, alla Biennale di Venezia e in numerose gallerie europee e americane. Ricevette premi prestigiosi, tra cui la Medaglia d’Oro per i Meriti Artistici e il Premio Internazionale d’Arte. La critica, pur sottolineando la difficoltà di incasellare il suo lavoro in una corrente precisa, ne riconobbe l’originalità e la coerenza interna: quella di un artista capace di restare fedele a se stesso proprio attraverso la metamorfosi.
Un’eredità complessa
Quando si cerca di definire l’eredità di Amleto Bertrand, ci si trova di fronte a una costellazione di esperienze. È stato pittore figurativo e informale, iperrealista e scultore di oggetti, ma soprattutto è stato un esploratore di linguaggi. Le sue opere, oggi conservate in musei e collezioni private, non cessano di interpellare chi le osserva: ci parlano della luce mediterranea della sua infanzia, della vitalità parigina, delle inquietudini milanesi, del dialogo mai concluso con la realtà.
Bertrand è stato un ponte tra tradizione e contemporaneità, tra pittura e installazione, tra immaginazione e materia. La sua opera ci invita ancora a guardare il mondo non come un insieme di immagini fisse, ma come un flusso di segni, colori e forme in perpetuo movimento. Un lascito che non appartiene soltanto alla storia dell’arte, ma che continua a vivere come domanda aperta, come sfida alla nostra capacità di vedere e interpretare.
