Arte in tempo di guerra: la genesi di un capolavoro
Il pittore fiorentino, professore all’Accademia di Belle Arti di Firenze e raffinato conoscitore della storia dell’arte, si trova sfollato con la famiglia a Vallombrosa, nella villa di Bernard Berenson, il celebre storico dell’arte e collezionista. La Casa al Dono, come viene chiamata, è un rifugio per intellettuali, artisti e perseguitati politici. Qui Colacicchi trova uno spazio sicuro per continuare a dipingere, ma non può restare indifferente alla realtà che lo circonda. Il fronte avanza, i soldati transitano per la villa, e tra i boschi di Vallombrosa si nascondono partigiani ed ebrei in fuga.
In questo scenario sospeso tra la paura e la speranza, nasce il suo San Sebastiano. Ma non è il martire trafitto da frecce che la tradizione ci ha consegnato. Il corpo del modello, Guido Fabiani, è legato a un tronco, i piedi appoggiati su un ceppo tagliato. Nessuna ferita, nessun sangue: solo la tensione di un corpo esposto, vulnerabile, eppure incredibilmente sereno. È una scelta radicale, che trasforma la figura del martire in una presenza ambigua, oscillante tra la santità e la realtà della guerra contemporanea.
Il set di posa: tra silenzio e inquietudine
Le sessioni di posa si svolgono nello studio allestito nella villa di Berenson. La moglie di Colacicchi, Flavia Arlotta, osserverà con attenzione il lavoro del marito e ricorderà molti anni dopo alcuni episodi legati alla creazione del dipinto. Guido Fabiani, il giovane modello, si assopisce spesso durante le pose, cullato dal silenzio ovattato della stanza e dalla luce calda che avvolge il suo corpo. È una scena quasi metafisica: un uomo legato, ma senza segni di violenza, immerso in un’atmosfera fuori dal tempo.
Ma un giorno, un’amica della famiglia entra nella stanza e resta pietrificata davanti alla scena. Per un attimo, la realtà e la finzione si sovrappongono. La luce, l’immobilità del giovane, il silenzio assoluto: tutto contribuisce a creare un senso di inquietudine. La donna, racconta Flavia, ha il terrore di trovarsi di fronte a un prigioniero vero, a una vittima di tortura. È il 1943, la guerra è ovunque, e la vista di un corpo legato evoca inevitabilmente immagini di violenza e sopraffazione.
Questa ambiguità è il cuore pulsante dell’opera. San Sebastiano non è più solo un santo, ma una figura umana universale, un simbolo della fragilità e della resistenza dell’uomo di fronte all’oppressione.
Un San Sebastiano fuori dal tempo: le radici culturali dell’opera
La scelta del soggetto non è casuale. San Sebastiano è una figura chiave della tradizione cristiana, un martire che ha attraversato i secoli mantenendo un’aura di ambiguità e trasformazione. Secondo la leggenda, il santo sopravvive alle frecce che lo colpiscono grazie alle cure di Irene, solo per essere poi giustiziato con il bastone. Ma oltre al suo significato religioso, San Sebastiano ha assunto nel tempo un valore più ampio: è il protettore contro la peste, il simbolo della sofferenza e della speranza, una figura di resilienza in tempi di crisi.
Colacicchi, grande conoscitore della pittura rinascimentale, ha sicuramente presente il San Sebastiano di Antonio del Pollaiolo, oggi conservato alla National Gallery di Londra. Nella versione dei fratelli Pollaiolo, il corpo del santo è percorso da una tensione drammatica, trafitto da frecce che ne sottolineano la sofferenza. Ma Colacicchi sceglie un’altra strada: elimina le frecce, il sangue, il dolore fisico. Il suo San Sebastiano è un corpo intatto, quasi idealizzato, sospeso tra l’estasi e la quiete.
C’è anche un’eco della reinterpretazione moderna della figura del martire. Nel 1911, Gabriele D’Annunzio aveva trasformato San Sebastiano in un’icona decadente e sensuale con Le Martyre de Saint Sébastien, uno spettacolo in cui il ruolo del santo era interpretato dalla ballerina russa Ida Rubinstein. La sua figura androgina, slanciata, quasi eterea, aveva conferito a San Sebastiano un’aura di bellezza assoluta, un corpo perfetto al di là del genere e del tempo.
Anche il San Sebastiano di Colacicchi è pervaso da questa estetica raffinata. Il corpo del giovane modello è esaltato dalla luce morbida che ne accarezza le forme, ma non è solo un’icona estetica. È un corpo reale, immerso nella storia, e per questo assume un significato più profondo.
Da San Sebastiano a L’uomo legato: la riscrittura della storia
Anni dopo, il titolo del dipinto cambierà. Non sarà più San Sebastiano, ma L’uomo legato. È una scelta significativa, che segna un allontanamento dall’iconografia religiosa per avvicinare l’opera alla storia contemporanea.
Flavia Arlotta, riflettendo su quel periodo, spiegherà che il cambiamento di titolo è dovuto a «quello che succedeva intorno a noi mentre lo dipingeva, e ai partigiani». È un segnale chiaro: il dipinto non è più solo un omaggio alla bellezza ideale, ma diventa una riflessione sulla resistenza, sulla prigionia, sulla guerra.
Il paesaggio stesso partecipa a questa trasformazione. Gli alberi di Vallombrosa, con la loro fitta oscurità, sembrano avvolgere la figura come una prigione naturale. A differenza delle altre opere di Colacicchi, dove il sole domina con la sua luce dorata, qui la luce è più fredda, più tagliente. L’ombra si insinua nella composizione, suggerendo un senso di minaccia incombente.
Eppure, nonostante tutto, la bellezza sopravvive. Il corpo del giovane resta intatto, la sua posa rilassata, la sua espressione serena. Non c’è disperazione, solo un silenzio sospeso, un’umanità che resiste.
In un’epoca in cui l’arte sembra destinata a soccombere sotto il peso della violenza e della storia, il San Sebastiano di Colacicchi si fa atto di resistenza. La bellezza, suggerisce il pittore, non è un lusso né una fuga dalla realtà, ma una necessità, un principio etico. Anche nei tempi più bui, anche di fronte alla guerra, la bellezza può sopravvivere. E forse, proprio in questa sopravvivenza, trova il suo significato più profondo.
Nessun commento:
Posta un commento