Uno degli aspetti più affascinanti del dipinto è la gestione della luce. Rembrandt era un maestro nell'uso della luce chiaroscurale, una tecnica che sfrutta il contrasto tra luce e ombra per creare profondità e tridimensionalità. Nel caso di questo dettaglio, il colletto, con le sue pieghe complesse e ben definite, è posto sotto una luce che ne accentua la morbidezza e la delicatezza. La luce, infatti, scivola sulle superfici ondulate del tessuto, rivelando le sue texture in modo che diventino quasi palpabili. Le pieghe del colletto sono illuminate in modo tale che le aree in rilievo appaiono quasi bianche, mentre le zone in ombra sono avvolte da sfumature più scure, che suggeriscono la profondità del materiale e ne enfatizzano la forma. Questo utilizzo sapiente della luce non solo dona al colletto un aspetto tridimensionale, ma sottolinea anche la sua qualità eterea, come se fosse sospeso in un'atmosfera di eleganza raffinata.
Ogni piega del colletto, dal punto di vista tecnico, è una piccola opera d'arte a sé stante. Le curve morbide che caratterizzano il colletto sono rese con una precisione millimetrica. Le transizioni di colore tra le pieghe chiare e quelle scure sono sfumate con estrema delicatezza, come se il pittore avesse voluto riprodurre il movimento del tessuto in modo tale da renderlo non solo visibile, ma anche sensibile al tatto. Il colletto sembra quasi prendere vita sulla tela, grazie alla capacità di Rembrandt di rendere i materiali con un livello di realismo che va oltre la mera apparenza. Ogni piega, ogni curva del colletto è una manifestazione della sua maestria tecnica: la consistenza del pizzo, la morbidezza del tessuto, la lucentezza del bianco sono rese in modo tale che sembrano uscire dalla tela, e l'osservatore quasi può percepire la sua delicatezza e morbidezza con la punta delle dita.
Il colletto, con la sua struttura articolata, non è solo un elemento fisico, ma anche un simbolo. Durante il periodo barocco, e in particolare nell'Olanda del XVII secolo, il colletto rappresentava un segno distintivo di classe sociale. I colletti elaborati, spesso realizzati con pizzi pregiati o con tessuti arricciati, erano il simbolo di una persona appartenente alla borghesia o all'aristocrazia. La cura con cui Rembrandt dipinge questo colletto, quindi, suggerisce non solo la ricchezza e l'alto status sociale del soggetto, ma anche l'importanza di tale dettaglio nell'identificazione visiva del ritratto. In effetti, in molte opere dell'epoca, l'abbigliamento non è solo un mezzo per rappresentare l'aspetto esteriore del soggetto, ma anche per suggerire il suo ruolo sociale, la sua posizione nella gerarchia e la sua appartenenza a un certo gruppo. Rembrandt, con la sua attenzione per i dettagli, fa di questo colletto un elemento centrale non solo nella composizione visiva, ma anche nella narrazione implicita del ritratto.
Le pieghe del colletto non sono semplicemente una decorazione: sono una dichiarazione di cultura e raffinatezza. Il pittore, infatti, non si limita a dipingere un semplice colletto di pizzo o di tessuto arricciato, ma riesce a trasmettere la sensazione che questo colletto, nella sua complessità, racconti la storia di una persona benestante, istruita e consapevole della propria posizione sociale. Il colletto, in questo senso, diventa un veicolo attraverso il quale Rembrandt suggerisce che il soggetto del ritratto non è solo una figura fisica, ma anche un simbolo di un'epoca e di una classe sociale specifica. In molti dei ritratti di Rembrandt, infatti, l'abbigliamento non è solo una rappresentazione di ciò che una persona indossa, ma è una parte essenziale della sua identità sociale, culturale e, a volte, anche psicologica. L'artista utilizza il colletto per arricchire la narrazione visiva, facendo emergere il soggetto come una persona che ha una certa consapevolezza di sé, della propria posizione e del proprio status.
La lucentezza del colletto, che riflette la luce in modo così naturale, è anche un modo per accentuare il contrasto tra il soggetto e l'ambiente circostante. Rembrandt crea un equilibrio tra il soggetto e lo sfondo, un gioco di luci e ombre che conferisce al dipinto una sensazione di profondità. Il colletto, che emerge luminoso dallo sfondo più scuro, sembra risaltare come se fosse un punto focale, catturando l'attenzione dello spettatore e indirizzando lo sguardo verso il soggetto. Il contrasto tra il bianco del colletto e il fondo scuro suggerisce anche una certa tensione tra l'elemento decorativo e quello più sobrio e serio del ritratto. Tuttavia, questo contrasto non è solo un effetto visivo: rappresenta anche una riflessione sulla dualità del soggetto, diviso tra la sua realtà sociale e la sua interiorità. La luce che si riflette sul colletto appare come un simbolo della facciata pubblica del soggetto, mentre le ombre che si formano nel suo viso o nelle pieghe del tessuto rimandano a una dimensione più intima e personale.
Ogni elemento di questo ritratto, dalla barba al volto, fino al colletto stesso, è parte di un gioco più complesso che Rembrandt realizza tra il soggetto e lo spazio che lo circonda. Il volto, dipinto con la stessa attenzione ai dettagli, non è solo un'immagine fisica, ma esprime una persona con una personalità profonda, una storia che va oltre l'apparenza. Rembrandt, in questo caso, non si limita a dipingere un viso, ma suggerisce attraverso il colletto e attraverso l'uso della luce una psiche, un’individualità. Il colletto stesso diventa il simbolo di una maschera sociale, un modo in cui la persona si presenta al mondo, ma anche un mezzo per esplorare il confine tra ciò che è visibile e ciò che è nascosto. L'opera di Rembrandt diventa, in questo modo, un dialogo tra l'esteriorità e l'interiorità del soggetto, e il colletto ne è una manifestazione simbolica, che invita lo spettatore a guardare oltre la superficie, cercando la verità nascosta tra le pieghe della tela e della persona stessa.
