Esiste una domanda che il sistema dell'arte contemporanea evita accuratamente di porsi. Una domanda semplice, quasi ingenua, e proprio per questo pericolosa.
A cosa serve tutto questo?
A cosa servono davvero le grandi fiere internazionali? A cosa servono le gallerie che spendono milioni per parteciparvi? A cosa servono le infinite figure professionali che popolano il mercato dell'arte contemporanea: curatori, advisor, art consultant, mediatori culturali, talent scout, art handler, art manager, communication manager, relationship manager e una quantità crescente di specialisti che sembrano essersi moltiplicati con una velocità inversamente proporzionale a quella con cui cresce il numero dei collezionisti?
La risposta tradizionale è semplice. Servono a selezionare la qualità.
Ma siamo davvero sicuri che sia ancora così?
Osservando il sistema dall'esterno, si ha sempre più l'impressione che la sua funzione principale non sia produrre valore culturale, ma produrre consenso interno. Una gigantesca macchina autoreferenziale che ha progressivamente smesso di chiedersi quali opere meritino attenzione per concentrarsi su una questione molto diversa: quali opere possano essere sostenute dall'intera rete di relazioni che costituisce il mercato.
È una differenza enorme.
Perché il valore culturale e il valore di mercato non coincidono necessariamente.
Per secoli il mercato dell'arte ha avuto una funzione relativamente chiara. Consentiva agli artisti di vivere del proprio lavoro e ai collezionisti di sostenere la produzione culturale. Esistevano ovviamente interessi economici, clientele, favoritismi e speculazioni. Sarebbe ingenuo negarlo.
Ma esisteva anche un elemento correttivo fondamentale.
Il tempo.
Le opere dovevano sopravvivere al gusto del momento.
Oggi sembra accadere il contrario. Non è più il tempo a giudicare le opere. È il sistema a tentare di anticipare il giudizio della storia, trasformando ogni evento in una consacrazione immediata.
L'artista emergente deve essere scoperto prima degli altri.
La galleria deve rappresentarlo prima delle concorrenti.
La fiera deve esporlo prima delle altre fiere.
Il collezionista deve acquistarlo prima che i prezzi salgano.
La stampa deve raccontarlo prima che diventi una notizia vecchia.
L'arte contemporanea sembra vivere in uno stato di perenne ansia da prestazione.
La conseguenza è che il sistema ha progressivamente sostituito la contemplazione con il consumo.
Le fiere rappresentano il simbolo perfetto di questa trasformazione.
Nate come strumenti commerciali, hanno finito per assumere un ruolo culturale sproporzionato rispetto alla loro natura.
Oggi una presenza ad Art Basel, Frieze o ad altre grandi manifestazioni internazionali sembra valere più di anni di ricerca artistica.
Il successo viene misurato in base alla presenza.
Non alla permanenza.
Si tratta di una logica curiosa.
Immaginiamo di applicarla alla letteratura.
Uno scrittore sarebbe considerato importante perché il suo editore ha acquistato uno stand più grande al Salone del Libro.
Oppure alla musica.
Un compositore sarebbe giudicato in base alle dimensioni del palco sul quale si esibisce.
Nessuno lo accetterebbe.
Nel mondo dell'arte, invece, sembra perfettamente normale.
Eppure le fiere non sono musei.
Non sono università.
Non sono istituti di ricerca.
Sono eventi commerciali.
La loro funzione principale è vendere.
Non c'è nulla di scandaloso in questo.
Il problema nasce quando il mercato pretende di coincidere con il giudizio culturale.
Una banana fissata a una parete con del nastro adesivo non diventa automaticamente un capolavoro perché viene esposta in una delle più importanti fiere del mondo.
Così come una pallina di carta non acquisisce profondità filosofica per il semplice fatto di essere accompagnata da un testo curatoriale di quindici pagine.
Esiste una sorta di superstizione contemporanea secondo cui il contesto sarebbe in grado di trasformare qualsiasi oggetto in arte.
È un equivoco che nasce da una lettura superficiale delle avanguardie storiche.
Marcel Duchamp non sosteneva che qualsiasi oggetto fosse arte.
Stava ponendo una domanda.
Il sistema contemporaneo sembra aver trasformato quella domanda in una risposta definitiva.
Peggio ancora.
In un modello di business.
Il punto più fragile dell'intero sistema, però, non riguarda gli artisti.
Riguarda gli intermediari.
Nel corso degli ultimi decenni si è verificato un fenomeno curioso.
Mentre internet eliminava intermediazioni in quasi tutti i settori economici, il mercato dell'arte ne produceva di nuove.
Tra l'artista e il pubblico si sono progressivamente inserite figure sempre più numerose.
L'artista produce.
Il curatore interpreta.
Il gallerista seleziona.
La fiera legittima.
Il consulente consiglia.
L'advisor certifica.
La stampa racconta.
L'influencer amplifica.
L'algoritmo distribuisce.
A ogni passaggio aumenta il prezzo.
Ma aumenta davvero il valore?
Oppure aumenta soltanto il costo del sistema?
Questa è forse la domanda che il mondo dell'arte teme maggiormente.
Perché un sistema di intermediazione ha senso soltanto se produce un beneficio superiore al suo costo.
Se invece la maggior parte delle energie serve a mantenere in vita il sistema stesso, allora il rischio è evidente.
L'arte smette di essere il fine.
Diventa il pretesto.
Esiste un dettaglio che meriterebbe maggiore attenzione.
Le grandi fiere vengono spesso raccontate come il cuore pulsante dell'arte contemporanea.
In realtà assomigliano sempre di più a centri commerciali di lusso.
Stessi corridoi.
Stesse strategie di marketing.
Stessa necessità di attirare clienti.
Stessa competizione per le vetrine migliori.
Stessa rapidità di consumo.
La differenza è che nei centri commerciali nessuno pretende di costruire il canone culturale del XXI secolo.
Le fiere, invece, sembrano voler esercitare contemporaneamente il ruolo di supermercato, museo, università e tribunale estetico.
È una concentrazione di potere che dovrebbe suscitare qualche interrogativo.
Anche perché il sistema appare sempre meno disposto ad accettare il dissenso.
Le critiche vengono spesso archiviate come incompetenza.
Chi non comprende certe dinamiche viene accusato di provincialismo.
Chi pone dubbi sul valore di alcune operazioni viene considerato conservatore.
È una strategia difensiva piuttosto antica.
Trasformare il dissenso in ignoranza.
Eppure la storia dell'arte racconta esattamente il contrario.
Le grandi rivoluzioni artistiche sono quasi sempre nate contro i sistemi consolidati.
Gli impressionisti contro i Salon.
Le avanguardie contro le accademie.
Le neoavanguardie contro le istituzioni del dopoguerra.
Oggi, paradossalmente, il sistema dell'arte sembra difendere sé stesso con lo stesso linguaggio burocratico delle istituzioni che un tempo contestava.
Il rischio economico è evidente.
I costi aumentano.
I prezzi aumentano.
Le aspettative aumentano.
Ma il numero dei collezionisti non cresce allo stesso ritmo.
E soprattutto cresce il rischio di una perdita di fiducia.
Il collezionista è probabilmente il cliente più paziente che esista.
Accetta prezzi opachi.
Accetta criteri di valutazione poco trasparenti.
Accetta forti oscillazioni di mercato.
Accetta persino di non sapere perché un'opera costi dieci volte più di un'altra apparentemente simile.
Ma nessuna pazienza è infinita.
Se tra venti o trent'anni una parte consistente delle opere oggi celebrate dovesse perdere interesse storico e culturale, il danno non sarebbe soltanto economico.
Sarebbe reputazionale.
E la reputazione è il vero capitale del mercato dell'arte.
Forse il problema fondamentale è che il sistema contemporaneo sembra avere un'enorme fiducia nelle proprie procedure e una fiducia sempre minore nell'intelligenza del pubblico.
Sembra credere che il valore debba essere certificato dall'alto, attraverso una lunga catena di autorizzazioni simboliche.
Eppure internet, i social network e l'intelligenza artificiale stanno già mettendo in discussione questo modello.
Critici indipendenti.
Archivi aperti.
Piattaforme di confronto.
Comunità di studiosi e collezionisti.
Nuove forme di divulgazione.
Nuove modalità di accesso alle informazioni.
Forse il futuro dell'arte non sarà un mondo senza gallerie e senza curatori.
Sarebbe una semplificazione ingenua.
Forse il futuro sarà semplicemente un mondo nel quale le mediazioni dovranno guadagnarsi la propria esistenza invece di considerarla un diritto acquisito.
Perché esiste una legge che nessun sistema culturale è mai riuscito a violare.
Gli intermediari nascono per facilitare un incontro.
Quando cominciano a impedire quell'incontro, quando diventano più importanti delle opere, degli artisti e del pubblico che dovrebbero mettere in relazione, iniziano lentamente a perdere la propria ragione d'essere.
E allora la domanda iniziale ritorna, ancora più scomoda.
Forse il mercato dell'arte contemporanea non sta attraversando una crisi economica.
Forse sta attraversando una crisi di utilità.
E quando un sistema non riesce più a spiegare perché esiste, il problema non è capire se riuscirà a sopravvivere.
Il problema è capire quanto tempo impiegherà il mondo a trovare un modo migliore per farne a meno.
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