Il valore dell'assurdo: l'arte come specchio della società

Viviamo in un’epoca in cui l’arte non è più una semplice finestra sulla bellezza o un rifugio per i sensi, ma un campo di battaglia intellettuale, un ardito laboratorio di idee in cui ogni gesto artistico sembra porci di fronte a domande fondamentali: che cos’è il valore? Che senso ha creare? A cosa serve, oggi, un’opera d’arte? Questi interrogativi, che accompagnano ogni istante del nostro tempo, si intrecciano con le trasformazioni profonde della società e con le contraddizioni di un mondo che, nell’inseguire l’eccesso, rischia di perdere il significato delle cose. In questo contesto, l’arte si propone non come un’esperienza rassicurante, ma come un trauma, un colpo che smaschera le nostre illusioni e ci costringe a guardarci nello specchio del nostro tempo.

Quando Piero Manzoni confeziona la sua celebre Merda d’artista, non si limita a produrre un oggetto ironico o a scandalizzare un pubblico borghese. Inscatolare la materia più bassa e prosaica dell’essere umano è un gesto carico di significati: una sfida al concetto di valore, una critica feroce al mercato dell’arte, una provocazione che punta a scardinare il rapporto tra l’artista, l’opera e il pubblico. Non importa cosa contenga davvero quella scatoletta; ciò che conta è il cortocircuito che genera, un intreccio di sdegno, curiosità e riflessione. Analogamente, quando Maurizio Cattelan attacca una banana al muro e la vende per milioni di dollari, non sta solo facendo sorridere o storcere il naso. Sta portando all’estremo l’idea stessa di cosa possa essere considerato arte, trasformando un frutto comune e deperibile in un simbolo di assurdità e potere.

In entrambe queste azioni si manifesta una tensione che va oltre il semplice gesto. Da un lato, l’artista sfida la società, dichiarando apertamente che tutto – persino il più banale degli oggetti – può diventare arte, a patto che esista qualcuno disposto a riconoscerlo come tale. Dall’altro lato, il pubblico, il collezionista o il critico partecipano a questo gioco accettandone implicitamente le regole. Quando un compratore spende milioni per una banana, non acquista solo l’oggetto in sé, ma il concetto che lo circonda, l’idea che l’arte possa essere qualcosa di sfuggente, ironico, paradossale.

Eppure, questa dinamica non si esaurisce nel rapporto tra l’artista e il mercato. Vi è un terzo elemento fondamentale: l’azione performativa, il gesto distruttivo che spesso accompagna queste opere. Pensiamo a chi mangia la banana di Cattelan o a chi decide di distruggere volutamente un’opera acquistata. Questi gesti, che potrebbero sembrare atti di vandalismo o di ribellione, sono in realtà parte integrante dell’opera stessa. Distruggere significa completare, portare alle estreme conseguenze il significato dell’arte contemporanea: il suo essere effimera, provocatoria, indissolubilmente legata al contesto e alla reazione del pubblico.

L’arte, in questo senso, diventa uno specchio che riflette il volto della società, con tutte le sue contraddizioni. La Merda d’artista di Manzoni e la banana di Cattelan non parlano solo del mercato dell’arte o delle provocazioni dei loro autori. Raccontano qualcosa di più profondo: il potere di trasformare il banale in straordinario, di attribuire valore a ciò che valore non ha, di mettere a nudo le fragilità di un sistema che spesso si fonda sull’assurdo. Inscatolare provocatoriamente escrementi o attaccare un frutto al muro sono gesti che ci costringono a fare i conti con il nostro rapporto con l’arte, con il denaro, con il significato stesso di autenticità.

Ma queste opere, in fondo, non sono anche il ritratto della nostra società? Viviamo in un mondo in cui il valore delle cose è sempre più scollegato dalla loro utilità o dal loro significato intrinseco, un mondo in cui il potere risiede nella capacità di dettare regole arbitrarie e di farle accettare come naturali. L’arte, con le sue provocazioni e i suoi paradossi, non fa altro che riflettere questa realtà, mostrandoci senza filtri le nostre debolezze, le nostre ossessioni, il nostro desiderio di dare senso a ciò che, forse, non ne ha.

Ed è proprio qui che risiede il significato ultimo di queste opere: non nel loro aspetto materiale, ma nella loro capacità di farci interrogare, di disorientarci, di costringerci a guardare il mondo con occhi nuovi. Aprire una scatoletta di Manzoni o mangiare una banana di Cattelan è, in fondo, un atto simbolico che ci invita a riflettere su chi siamo e su dove stiamo andando. In un’epoca in cui tutto sembra poter essere mercificato, l’arte diventa un atto di resistenza, un modo per ricordarci che il vero valore non risiede negli oggetti, ma nelle idee che siamo in grado di generare e condividere.