Il contesto storico e la genesi di quest’opera sono altrettanto significativi. L’Opera del Duomo di Orvieto, che gestiva le questioni artistiche relative alla cattedrale, aveva inizialmente commissionato la realizzazione di una Pietà al celebre scultore Raffaello da Montelupo, un allievo di Michelangelo che aveva già acquisito grande fama per le sue sculture e i suoi lavori in campo religioso. L’intenzione dell’Opera del Duomo era quella di inserire quest’opera all’interno di un progetto più ampio di rinnovamento e abbellimento della cattedrale, un luogo che, oltre ad essere un centro di culto, doveva rappresentare anche il cuore pulsante della fede cristiana. Tuttavia, la morte prematura di Raffaello nel 1566 pose fine al progetto che, a quel punto, doveva essere affidato a un altro artista. Dopo un lungo periodo di ricerca, venne scelta una figura emergente ma radicata nel contesto orvietano: Ippolito Scalza. Questo scultore, pur essendo meno noto rispetto ai suoi contemporanei, era profondamente legato alla città di Orvieto e aveva già realizzato opere che adornavano la cattedrale e altri edifici sacri della città. La sua conoscenza della pietra locale e la sua esperienza nella lavorazione del marmo lo resero un candidato ideale per completare un’opera così significativa. La commissione rappresentava, quindi, sia un onore che una sfida, poiché Scalza si trovò a dover affrontare l’eredità di un nome pesante come quello di Michelangelo, la cui influenza artistica era ancora forte e presente nel panorama culturale dell’epoca.
La scelta del blocco unico di marmo, da cui Scalza trasse le quattro figure principali — Cristo, Maria, Nicodemo e la Maddalena — non è solo una scelta tecnica, ma anche un atto simbolico di grande potenza. L’utilizzo di un unico blocco di marmo per scolpire le quattro figure conferisce all’opera un senso di unità e di coesione, come se tutte le parti di essa fossero parte di un unico organismo. La scelta di partire da un solo blocco implica un’enorme difficoltà tecnica, poiché qualsiasi errore avrebbe potuto compromettere l’intera composizione, ma Scalza, con maestria, riuscì a superare questa sfida, regalando al mondo un’opera che si distingue per la sua precisione e per la sua capacità di esprimere la tensione e il dramma della Passione in modo straordinariamente realistico. Questo approccio, che è allo stesso tempo una prova della capacità tecnica dell’artista e una dichiarazione di profondità simbolica, fa emergere le figure in modo che sembrino quasi ‘vive’, come se stessero per muoversi. La morbidezza del marmo, trattato con una cura quasi maniacale, dona alla composizione una sensazione di leggerezza e di trasparenza, nonostante la durezza del materiale. Le venature del marmo sembrano respirare, conferendo alle figure un’aura quasi eterea, come se esse fossero sospese tra la vita e la morte, tra il divino e l’umano.
Un altro elemento che conferisce profondità alla Pietà di Scalza è l’influenza michelangiolesca, che emerge in modo chiaro, ma mai imitativo. Maria che accoglie il corpo senza vita del figlio senza mai toccarlo direttamente con le mani è un rimando evidente alla Pietà di Michelangelo, dove la Vergine sembra reggere il corpo di Cristo con una delicatezza quasi soprannaturale. In Scalza, tuttavia, il gesto è carico di un’intensità emotiva che accentua la sofferenza della madre. La sua postura, che suggerisce il peso di un dolore ineluttabile, è lontana dalla compostezza serafica della Pietà vaticana di Michelangelo; qui, Maria sembra non solo accogliere il corpo del figlio, ma anche rivivere il dolore della Croce, una sofferenza che la separa dal mondo terreno, ma che la avvicina alla comprensione del divino. La sua postura, con la testa inclinata e le braccia tese, accentua il contrasto tra la delicatezza del suo volto e il dolore che le si legge nei lineamenti. L’opera non è solo una rappresentazione della morte, ma anche una meditazione sul sacrificio e sul dolore della madre, che si fa universale proprio nella sua specificità. Questo gesto di non toccare il corpo di Cristo con le mani, pur nella sua semplicità, diventa una riflessione sul distacco tra la morte terrena e la promessa di una nuova vita, come fosse un messaggio che va oltre il semplice episodio biblico. Il dolore di Maria è quindi un dolore che trascende il tempo e lo spazio, diventando simbolo di ogni madre che ha vissuto la sofferenza della perdita.
Al fianco di Maria, le figure di Nicodemo e la Maddalena non sono solo personaggi di supporto, ma anch'esse protagoniste di una narrazione che va oltre la mera descrizione degli eventi. Nicodemo, il ricco fariseo che, secondo il Vangelo, aveva preso parte al seppellimento di Cristo, è rappresentato con un’espressione di serietà e solennità, quasi a voler trasmettere la gravità del suo atto. Non si tratta solo di un gesto di pietà verso un maestro, ma anche di un atto di fede, di consapevolezza che la morte di Cristo è parte di un disegno divino più grande. La sua figura, ben scolpita e robusta, infonde alla composizione un senso di equilibrio, come se lui fosse l’elemento che sostiene l’intero dramma. La sua mano, che sorregge il corpo di Cristo, è un gesto di forza, ma anche di compassione, un’umanità che riconosce il sacrificio e ne porta il peso con devozione.
Dall’altra parte, la Maddalena è la figura che, con il suo viso dolorosamente contorto, rappresenta la sofferenza più viscerale e immediata, quella di chi ha seguito Cristo durante tutta la sua vita e che ora deve confrontarsi con la sua morte. La sua figura piegata in avanti, con il corpo spezzato dal dolore, sembra quasi volersi gettare sopra il corpo di Cristo, ma è trattenuta dal senso di sacralità dell’evento. La sua postura, però, non è quella della semplice disperazione, ma della consapevolezza che la morte è solo il primo passo verso la Resurrezione. La Maddalena, infatti, rappresenta la fragilità dell’essere umano, ma anche la sua capacità di risorgere, proprio come Cristo. La sua figura è simbolo di speranza, una speranza che può germogliare solo dopo la sofferenza più grande, quella che accompagna il lutto e la perdita.
La Pietà di Scalza non è solo un'opera d’arte che esprime il dolore della Passione, ma è anche un simbolo del destino umano, della sofferenza che attraversa tutte le epoche e che, nonostante il suo peso, può dare vita a una rinascita. L’opera, pur essendo strettamente legata alla cristianità e alla tradizione religiosa, parla anche al di là della fede, toccando corde universali che riguardano tutti gli esseri umani: il dolore, la perdita, ma anche la speranza di una nuova vita che può nascere anche nei momenti più bui. La Pietà di Scalza non è solo una testimonianza della maestria artistica dell’autore, ma anche una riflessione sulla condizione umana e sulla sua eterna lotta tra morte e resurrezione. E in questo, essa rimarrà, ancora oggi, una delle opere più potenti e toccanti del Rinascimento, capace di parlare a chiunque si soffermi a osservarla, invitandolo a riflettere sulla propria esistenza e sul mistero della vita e della morte.
