Todd Haynes

Todd Haynes (1961) è un regista, sceneggiatore e produttore cinematografico che ha fatto della sperimentazione estetica e della riflessione sulle identità di genere, la sessualità e la marginalizzazione sociale il cuore pulsante della sua opera. Attraverso una carriera che si estende per oltre tre decenni, Haynes ha costantemente sfidato le convenzioni del cinema mainstream, rivelandosi una figura di riferimento nel panorama del cinema indipendente e nel movimento del New Queer Cinema, un movimento che ha trasformato il modo in cui le storie queer sono raccontate sul grande schermo. Il suo lavoro è caratterizzato dall’incontro tra l'arte cinematografica e una riflessione radicale sui temi della disabilità, della sessualità, dell’amore, della morte, del desiderio e delle strutture di potere che influenzano la nostra vita quotidiana, in particolare quelle legate alla cultura popolare e ai modelli ideologici che determinano il nostro modo di vivere e di rappresentare l'altro.

La carriera di Haynes è iniziata con un forte legame con il cinema d’avanguardia e l'arte visiva, tanto che la sua produzione si caratterizza spesso per una fusione tra il linguaggio cinematografico e quello della video arte. Nato a Los Angeles, in California, nel 1961, Haynes ha iniziato il suo percorso accademico all’University of California di Santa Cruz, per poi trasferirsi al Bard College di New York, dove ha conseguito un Master in Fine Arts. Durante i suoi anni universitari, si è avvicinato alla cinematografia sperimentale, alle performance artistiche e ai film a basso budget, che gli hanno permesso di esplorare le possibilità del cinema come strumento per raccontare storie complesse, audaci e spesso provocatorie. Le sue esperimentazioni visive si sono intrecciate con un'attenta analisi delle dinamiche culturali e sociali, in particolare riguardo alla sessualità e all’identità di genere, temi che avrebbero pervaso gran parte della sua carriera successiva.

Nel 1987, mentre era ancora studente, Haynes realizzò il suo primo cortometraggio,

"Superstar: The Karen Carpenter Story", un'opera che avrebbe segnato un punto di svolta nella sua carriera e nel cinema indipendente in generale. Il film racconta la tragica vita della cantante pop americana Karen Carpenter, famosa per il suo talento vocale, ma anche per la sua lotta contro l’anoressia e la bulimia, malattie che la portarono alla morte prematura nel 1983. Ciò che rende Superstar unico è il suo uso radicale delle bambole Barbie come attori, una scelta che contribuisce a creare un senso di dissonanza tra la perfezione superficiale delle bambole e la realtà crudele della malattia mentale e del corpo malato. La scelta di utilizzare bambole per rappresentare Karen e gli altri membri della sua famiglia è stata una provocazione deliberata, finalizzata a sottolineare l’artificialità della bellezza fisica e a criticare il modo in cui la cultura popolare manipola le immagini del corpo, soprattutto quello delle donne, imponendo modelli estetici che sfociano in disturbi alimentari e psicologici.

L’aspetto che ha maggiormente colpito nel film è stato l’uso di immagini forti e disturbanti per rappresentare la sofferenza psicologica di Karen Carpenter. La bambola di Karen, per esempio, viene mostrata con il viso e il corpo mutilati da un coltello, un'immagine di deformità e deperimento che evoca in modo tangibile il suo declino fisico e mentale. La rappresentazione della malattia è simbolica e onirica, con sequenze che sfidano la logica del film tradizionale e creano un’atmosfera surreale e inquietante. La decisione di includere anche una scena in cui Karen immagina di essere sculacciata da suo padre evidenzia la complessità delle dinamiche familiari e l’angoscia interiore della protagonista. Questi elementi, uniti all'uso delle canzoni dei Carpenters senza licenza, portarono a una causa legale per violazione del copyright da parte della famiglia Carpenter, che riteneva che il film fosse offensivo e denigratorio. Nonostante il film fosse stato ritirato dalla distribuzione pubblica, Superstar è diventato un cult per la sua capacità di affrontare temi delicati in modo viscerale e audace. Le versioni pirata del film sono ancora oggi circolanti e si possono trovare sporadicamente su piattaforme come YouTube, dove il film continua a suscitare dibattiti sull'arte, la censura e la libertà di espressione.

Il suo debutto nel lungometraggio,

"Poison" (1991), ha consolidato la sua reputazione come regista audace e innovativo. Il film si ispira agli scritti dello scrittore gay transgressivo Jean Genet e si compone di tre storie separate, ognuna delle quali affronta un aspetto diverso della sessualità e della devianza sociale. Ogni segmento è caratterizzato da un genere cinematografico differente: il primo è un documentario in stile vox-pop dal titolo Hero, che racconta le disavventure di un giovane uomo in cerca della propria identità sessuale, mentre il secondo, Horror, è un racconto di fantascienza anni '50 che esplora le paure e le ossessioni sociali legate alla sessualità deviata, e infine Homo, la terza parte, narra una storia d’amore sadomasochistica tra due prigionieri gay. Poison è un film radicale non solo per il suo contenuto, ma anche per il suo approccio stilistico e formale. Haynes utilizza tecniche cinematografiche non convenzionali, creando un linguaggio visivo e narrativo che sfida la linearità della trama tradizionale e incorpora un'alta dose di surrealismo e simbolismo.

Il film fu accolto positivamente dalla critica, ma divenne anche oggetto di polemiche, soprattutto per le sue immagini di sesso esplicito e per la sua rappresentazione della sessualità come atto di liberazione e ribellione contro l’autorità sociale e culturale. In particolare, l'American Family Association, un gruppo di pressione conservatore, si scagliò contro il film, accusando Haynes di promuovere pornografia gay. Ironia della sorte, il gruppo non aveva nemmeno visto il film prima di lanciare le sue accuse. Nonostante le controversie, "Poison" vinse il Grand Jury Prize al Sundance Film Festival nel 1991, cementando la posizione di Haynes come uno dei principali registi del New Queer Cinema, un movimento che esplorava la sessualità non convenzionale e le identità queer in modi audaci e provocatori.

A partire dal 2002, con il film

"Far From Heaven", Haynes ha ottenuto il suo maggiore successo commerciale e di critica. Ispirato ai melodrammi degli anni '50 di Douglas Sirk, "Far From Heaven" esplora le tematiche del razzismo, della sessualità repressa e della disintegrazione dei valori borghesi in un contesto di grande intensità emotiva e visiva. La storia si concentra su Cathy Whittaker (interpretata da Julianne Moore), una casalinga che scopre che suo marito (Dennis Quaid) è omosessuale e intraprende una relazione con il suo giardiniere afroamericano (Dennis Haysbert). Il film, pur essendo un omaggio ai film melodrammatici classici, si allontana dal semplice esercizio di nostalgia, riflettendo sulla lotta per l'autodeterminazione e l’amore in una società profondamente segregata e razzista. "Far From Heaven" è stato un successo di critica e ha ricevuto numerosi riconoscimenti, tra cui diverse nomination agli Oscar, consacrando definitivamente Haynes come uno dei più importanti registi del panorama contemporaneo.

Anche successivamente, Haynes ha continuato a esplorare tematiche complesse e a mettere in discussione le norme sociali e culturali.

Con "I'm Not There" (2007), una biografia sperimentale di Bob Dylan, il regista ha continuato a sfidare le convenzioni narrative, raccontando la vita di Dylan attraverso sei differenti interpretazioni del personaggio, incarnate da attori diversi, tra cui Cate Blanchett, Christian Bale e Heath Ledger. La struttura frammentata del film, che riflette la natura evasiva e mutante dell'identità di Dylan, ha confermato ancora una volta l'approccio innovativo di Haynes alla narrazione cinematografica.

Il suo ultimo lavoro, "Carol" (2015), tratto dal romanzo di Patricia Highsmith The Price of Salt, è un'altra pietra miliare nella sua carriera. Il film racconta la storia d'amore tra Therese (Rooney Mara), una giovane commessa, e Carol (Cate Blanchett), una donna più grande in una relazione insoddisfacente con il marito, in un’epoca in cui l’amore lesbico era ancora considerato un tabù. Carol è stato acclamato per la sua sensibilità emotiva, per la sua rappresentazione delicata ma potente della passione e della lotta per l’identità, ed è stato uno dei film più apprezzati della stagione cinematografica. Con Carol, Haynes ha portato il suo cinema a un pubblico ancora più vasto, riuscendo a mantenere intatta la sua capacità di sfidare le convenzioni sociali, pur rendendo le sue storie accessibili e universalmente riconoscibili.

Oggi, Haynes vive a Portland, Oregon, dove continua a lavorare su progetti cinematografici e ad essere una voce importante nel panorama cinematografico internazionale. La sua capacità di utilizzare il cinema come strumento di critica sociale e di esplorazione delle identità più complesse e marginalizzate lo rende uno dei registi più significativi della sua generazione. Il suo lavoro ha avuto un impatto profondo sul modo in cui il cinema rappresenta la sessualità, la cultura queer e le identità di genere, e continua a influenzare nuovi registi e cineasti a mettere in discussione le convenzioni e a raccontare storie che altrimenti potrebbero essere dimenticate o ignorate.